Claudia Martínez

«Mi trabajo se desenvuelve entre la escultura, la instalación, el dibujo y en algunos aspectos con la fotografía y las acciones performáticas. Investigo las relaciones existentes entre espacio y materia, poniendo el acento en la sensualidad de los materiales y la relación de la obra con el tiempo (el de su ejecución y el de su permanencia); la paciencia como motor, la fragilidad y la precariedad como cualidades de la cosa.; especialmente me motiva aquellos gestos, marcas de lo que apenas se percibe, lo que se camufla tanto en el espacio  arquitectónico, el cuerpo y el espacio de trabajo.
Mi hacer indica categorías que asumen lo femenino de la existencia y la obra resulta ser un lugar de confluencias, un punto de partida en que se revela un mundo particular y un imaginario complejo, que enraíza en la biología y las estructuras microscópicas.
Intento recuperar para mi obra, el mundo cotidiano y los pequeños gestos: el tejido, las labores manuales valiéndome  de los nudos, los enlaces de hilos, ganchillos, el mundo de los alambres, las fibras, las líneas, las tramas y los textiles para darles una característica extraordinaria al transformarlos en esculturas.»

Pilar Pequeño

Madrid, 1944.

En 1961 conoce a José Puga, que más tarde será su marido, y que es quien la introduce en la fotografía, tanto en los aspectos técnicos como en el lenguaje propio de ese medio de creación.

En 1965 entra a formar parte de la Real Sociedad Fotográfica; allí conoce a grandes fotógrafos, como Gabriel Cualladó, Paco Gómez… y a otros que como ella en aquel momento estaban empezando, como Juan Manuel Castro Prieto, Antonio Tabernero…

Desde 1975 a 1977 reside junto a su familia en Estados Unidos, donde recibe clases de dibujo.

A partir de 1979, a fin de profundizar en el dibujo, asiste durante dos años al estudio del pintor Justo Barboza.

Durante un tiempo compagina el dibujo y la fotografía, trabajando indistintamente en uno y otro medio, y en 1982 inicia su primera serie sobre Paisaje, donde el agua, que estará presente en toda su obra posterior, aparece en forma de ríos, arroyos, niebla…

Un periodo muy importante para su formación es cuando ese mismo año José Puga, junto con Rafael Roa y Rafael Ramírez, abren en Madrid la Galería Image donde conocerá a los que exponen en la galería: Humberto Rivas, Toni Catany, Manolo Laguillo, Eva Rubinstein… y a Luis Revenga, en aquel momento crítico de fotografía del diario El País y comisario de muchas de sus exposiciones.

Entre 1982 y 1990 realiza su primer trabajo de plantas, Invernadero. Son tomas muy cercanas en las que juega con esa proximidad, con la fragmentación de la escena y con la visión distorsionada de las plantas a través del plástico para producir la ambigüedad y la capacidad de sugerir, que hace que las imágenes rocen la abstracción.

De 1985 es su serie más corta, Hojas. Nuevamente juega con la abstracción que parte de la realidad, utilizando el agua como elemento transformador.

Desde 1988 hasta 1991 viaja por Europa y Estados Unidos y realiza su primer trabajo de paisaje urbano: una serie sobre el Área Metropolitana de Washington.

En 1992 sigue fotografiando las plantas, generalmente en jardines botánicos. Las imágenes son fragmentos de una planta, de una hoja o de una flor y del efecto que sobre ellas produce la luz.

En 1993 comienza a fotografiar las plantas en su estudio, creando naturalezas muertas. Este trabajo es el más amplio y representativo de su obra, en el que continúa experimentando actualmente. Se desarrolla en torno a las transparencias.

De 2000 a 2005 desarrolla la primera parte de su serie Huellas, son fotografías de lugares abandonados; un trabajo sobre la acción del hombre en el paisaje, el paso del tiempo, la memoria y la recuperación por la naturaleza de los lugares que el hombre ha abandonado. El núcleo de este trabajo es el estudio de dos edificios con una arquitectura y un clima muy diferentes, uno situado en el Mar Menor y otro en el Baixo Miño. donde se puede apreciar cómo condiciona el carácter de las ruinas el lugar geográfico donde se encuentran ubicadas.

Con motivo de la celebración en 2005 de la exposición Don Quijote, una nueva mirada, comienza la serie Bodegones, recreando en blanco y negro la atmósfera de los bodegones del Siglo de Oro.

Entre 2006 y 2007 realiza la serie La Samanna, impresiones en la isla de San Martín, en las Antillas francesas.

En 2008 comienza a trabajar con la cámara digital y realiza las primeras investigaciones con el color concebido como lenguaje en sí mismo.

Ese mismo año inicia un nuevo proyecto, utilizando por primera vez el color, Paisajes cercanos, con fotografías del entorno natural en el que vive y de los lugares por donde pasea. Como en sus primeros paisajes, sigue buscando los cambios que producen la luz y el discurrir de las estaciones en el agua de los ríos y arroyos y en sus orillas..

A partir del 2009, incorpora también el color a sus naturalezas muertas.

En 2010 es galardonada por el Ministerio de Cultura con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes por el conjunto de su obra.

En el año 2012 retoma su serie Huellas y vuelve a fotografiar, después de más de diez años, el edificio situado en el Baixo Miño.

En 2016 finaliza su trabajo Huellas volviendo al edificio del Mar Menor.

En 2017 es galardonada con el Premio Nacional Cultura Viva en su XXVI edición.

En 2018 la Fundación de Amigos del Museo del Prado, con motivo del bicentenario de la fundación del Museo, la invita a participar en el proyecto: Doce fotógrafos en el Museo del Prado. Doce miradas diferentes y personales que se inspiran en los grandes maestros del Museo. El resultado  se expone en el edificio Villanueva del Museo del Prado en 2018-2019.

En 2019, dentro de PhotoEspaña, presenta una exposición Naturalezas muertas, en la que  hace un recorrido por este trabajo, desde su inicio en 1993 hasta las obras realizadas en 2018 en la preparación del proyecto del Prado.

Premio a la Trayectoria Profesional Photoespaña 2019

web: www.pilarpequeno.com

 

 

 

 

 

 

 

SERIE PLANTAS SUMERGIDAS

 

 

 

TRASPARENCIAS

SERIE HUELLAS

MAR MENOR

BAIXO MIÑO

Mar Solís

Mar Solís (Madrid 1967), licenciada en Bellas Artes con la especialidad de escultura, por la Universidad Complutense de Madrid.

Desde 1997 hasta la actualidad, realiza diversas muestras individuales. Sus proyectos más destacados son “la Línea, la Curva, la Elipse”, Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM); “The Tale of unknowing Island”, Frost Art Museum, Miami; “Encuentros en el Espacio”, Museo de Arte Contemporáneo Eduardo Sívori, Buenos Aires; “Cuadernos de Viaje Madrid – Damasco”. Instituto Cervantes de Damasco, Siria; “Los Vértices de la Vibración”, Feria de arte contemporáneo Arco’09, stand de El Mundo; “El Cielo Abierto”, Museo Barjola de Gijón, Asturias; “Rincones Escogidos”, Palacio de Pimentel, Valladolid, entre otras.

Su obra se expone permanentemente en distintas colecciones entre las que destacan: Fundación Alberto Jiménez de Arellano Alonso, Instituto Valenciano de Arte Moderno IVAM, Ayuntamiento de Madrid, Comunidad de Madrid, Ministerio de Medio Ambiente y Museo Tiflológico.

Ganadora, entre otros premios de Primer Premio de Escultura de Arte Caja Madrid “Generación 2003”. Premio “Ojo crítico-Segundo Milenio” de Artes Plásticas Radio Nacional de España. Primer Premio del concurso Internacional de Escultura Caja de Extremadura. Primer Premio de Escultura “Mariano Benlliure” Villa de Madrid.

 

Su obra pública puede encontrarse entre otros espacios, en el Parque de los Charcones, Navalcarnero, Madrid. Casa de la Cultura de Navacerrada, Madrid. Ayuntamiento de Ceutí, Murcia. Parque de Escultura al Aire Libre Kasklauttanen, Laponia. Parque de Escultura al Aire Libre Kyonggido, Corea del Sur.

Deva Sand

Deva Sand es de origen francés.

Nacida en Estrasburgo, ciudad en la cual estudió y se formó como escultora en la escuela de Bellas Artes. Vive en Valencia desde 1990 donde siguió perfeccionando sus conocimientos en la facultad de Bellas Artes y en la escuela de Artes y Oficios.

Sus andaduras empezaron al ganar la beca de la Cañada Blanch y del Diario Levante, donde hizo su primera exposición individual en España.

Durante dos años consecutivos fue seleccionada y ganadora del premio de Honor de Caja Madrid y de Bancaja.

Ha participado en la primera Bienal de Valencia y durante varios años trabajó con galeristas Españoles como Tomás March y Travesia Cuatro.

En la actualidad trabaja con Pilar Dolz de la Galeria Caném de Castellón, Noemí Méndez de NocaPaper en Santander, Gertrud Gómez de la galería Santamaca de Alicante y María Tinoco de la Galeria Mr Pink de Valencia.

Participa en ferias internacionales como Arco y Just Mad en Madrid, Art Karlsruhe en Alemaña, ST_Art en Francia, Solo Project  y Art Basel en Suiza.

Obras suyas han sido adquiridas por instituciones como el Fondo de Patrimonio Artístico de la Universidad Politécnica de Valencia, la colección de Arte del diario Levante de Valencia, la colección Norte de Arte Contemporáneo de Santander, la Colección de Arte OlorVisual, la Colección de Arte Vossloh y el Fondo de Arte de la Fundación Cañada Blanch.

La Naturaleza Muerta en la Fotografía

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La artista nos mostrara como realiza su obra y como trabaja con la luz natural, compartiendo sus experiencias desde una perspectiva personal y directa. Se analizaran algunas obras de maestros de la naturaleza muerta en la historia del arte, que servirán como referencia. Se recreara su estudio y veremos todo el proceso de creación: la elección de la planta, la flor o la fruta y los demás elementos de la composición, su distribución en el espacio, la elaboración de la escena lumínica y por último la captura de la imagen. Después serán los participantes los que realicen su obra, eligiendo los elementos, trabajando la luz y efectuando la toma.
[/ezcol_2fifth] [ezcol_1fifth]Por: Pilar Pequeño
Alumnos: 10
Cuándo: 21 y 22 de noviembre
Hora: 10:00h
Precio: 180€
[/ezcol_1fifth][ezcol_2fifth_end] TALLER NATURALEZAS MUERTAS PILAR PEQUEÑO: PICA .PHOTOESPAÑA AYTO ALCOBENDAS[/ezcol_2fifth_end]

Apúntate

De lo Macro a Lo Micro

«Wearable Sculptures» o Esculturas para ponerte son pequeños objetos creados por  los artistas Miguel Bañuls y Eduardo Lastres, para puedas llevarlas contigo en forma de anillos, colgantes, pendientes o broches.

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Miguel Bañuls

«Me siento muy cómodo aplicando lo aprendido como escultor en un campo ligado al lenguaje abstracto, al simbolismo y a la contemporaneidad. Es un placer que tu obra ayude a definir el carácter  de quien la luce y participe de  su tiempo estético.
El cuerpo humano ayuda a centrar la atención en estas pequeñas esculturas y su pequeña escala deja de ser un inconveniente para apreciarlas. Ambos se potencian mutuamente y el tamaño se relativiza. ¡Genial!
Personalmente prefiero  esculturas  que permitan al espectador recorrerla tanto por fuera como por dentro pero cuando veo un objeto pequeño mi imaginación lo entiende como una maqueta y lo visualizo de la misma forma. Macro-micro…¡Los extremos se tocan!»

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Eduardo Lastres

«El adorno, la joya, es un atributo del ser humano. Desde el principio de los tiempos se han creado  elementos que se incorporan al cuerpo, a veces por  estética, a veces por  defensa. El escultor que juega con el volumen, la superficie y la luz en sus diferentes dimensiones , encuentra en la joyería un laboratorio de ideas, un   lugar de experimentación donde surgen  nuevas formas a partir de una reflexión que traslada el trabajo escultórico de la gran dimensión al micro espacio. De lo macro a lo micro.»

 

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Maquieira

Fernando Maquieira

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Nacido en Puertollano (Ciudad Real) en 1966, con solo quince años entra a trabajar como ayudante en el estudio del fotógrafo Fernando Gordillo, destacado representante de la escuela de Madrid, movimiento responsable de la renovación fotográfica española en la segunda mitad del siglo XX. Junto a Gordillo, Maquieira se familiariza con los rudimentos de las técnicas fotográficas. En paralelo, se forma en el campo del diseño gráfico y se dedica a la composición e interpretación musical en una banda de rock. Cuando el grupo se disuelve, sigue empleando su talento compositivo, esta vez en soledad, para la concepción de sus primeras series fotográficas.

A partir de 1998 entra a trabajar en la empresa de artes gráficas Cromotex, pionera en el uso de herramientas digitales en el campo editorial en España, donde permanecerá hasta 2012 como responsable de su plató digital. En 2001 viaja a México, y allí realiza las fotografías que darán lugar a su primera monografía, Veinte días México. La serie será presentada en 2003 y 2004 en la Casa de Cultura de Las Rozas, Madrid, la Maison de l’Amérique Latine en Bruselas y el Photomuseum de Zarauz (Guipúzcoa). En 2003 expone asimismo en el Escaparate de San Pedro (Madrid) y obtiene el primer premio del maratón fotográfico de PhotoEspaña; el premio le permite viajar a Brasil durante varios meses. Allí comienza el trabajo que, años después, y apoyado por una beca FotoPres de la Fundación La Caixa (2007), se convertirá en la serie Ruta 40, dedicada al trayecto andino de la utópica autopista panamericana.

En paralelo a sus proyectos personales, Maquieira es requerido como fotógrafo para documentar la actividad de museos y colecciones de arte, una labor que le ha aproximado de manera íntima a las obras de arte y espacios de exposición en ausencia del público. Uniendo este trabajo por encargo con sus personales intereses artísticos, en 2004 obtiene una beca de la Diputación de Granada para exponer en el Palacio de los Condes de Gabia de la capital andaluza su serie Sobre la Alhambra, de la que surgirá una nueva monografía. La serie se expone asimismo en la Bienal Internacional de Fotografía de Tenerife en 2005. Ese mismo año comienza a trabajar en un ámbito similar: los museos de historia natural, en los que toma las imágenes de animales disecados que parecen volver a la vida; el resultado será Ánima, serie que se expondrá en 2006 en la Casa de Velázquez de Madrid y, en 2008, en la Degroof Foundation – Parc du Château de Bousval (Bélgica), el Festival Internacional de fotografía Getxophoto, Getxo (Vizcaya) y la Resolution Gallery de Johannesburgo (Sudáfrica).

A raíz de su trabajo para documentar piezas del Museo del Prado depositadas en diversos conventos de clausura, Maquieira tiene acceso a estos espacios, lo que le lleva a concebir una nueva serie relacionada con las diversas formas de la fe. Un viaje a Irán en 2007 y una beca en la Academia de España en Roma en 2008 le permiten, atendiendo a diferentes credos, completar Wearing Faith, proyecto que se presenta en el Festival Internacional de Fotografía de Roma al año siguiente.

En los últimos años, Maquieira trabaja en el proyecto Night Guide Museums, donde une su interés por los aspectos más enigmáticos de la fe y la espiritualidad a su trabajo relacionado con museos, considerados nuevos espacios de culto. El estado actual de este trabajo se hizo público en 2014 en la I. Kaunas Photo M. Zilinskas Gallery de Kaunas (Lituania), donde había obtenido una beca de residencia el año anterior. En paralelo a Night Guide Museums, Maquieria mantiene una suerte de diario fotográfico en construcción que fue presentado, bajo el título Como si nada, en el contexto de PhotoEspaña 2014.

Tiene obra en diversas colecciones como en la colección de fotografía de la Fundación Mapfre, Museo Rodin de París, Colección Ayuntamiento de Alcobendas, Museo de la Alhambra y Generalife en Granada, Real Academia de España en Roma, Museo Nacional de Antropología de Madrid, Centro de Arte Caja de Burgos (CAB), Photomuseum de Zarautz, La maison de L’Amérique Latine en Bruselas, Real Sociedad fotográfica e Madrid, Colección Fotoencuentros de Murcia y en diversas colecciones particulares.

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Moma. San Francisco EEUU, 2008
90×60 cm

Impresión Ink-Jet pigmentos naturales encapsulados en resina sobre papel Hahnemuhle Photo Rag Ultra Smooth de 305 gsm 100% algodón.

Edición de 11 ejemplares  y 2 P.A. numerados y firmados

Disponibles desde la num. 3/11

Precio:

De la 1 a la 4….….. 1. 400,00 €

De la 5 a la 7….…. 1.900,00 €

De la 8 a la 10…… 2.500,00 €

De la 9 a la 10…… 3.000,00 €

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web: www.fernandomaquieira.com

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Luis Vioque

Luis Vioque

[ezcol_1third]Nuestro artista invitado es LUIS VIOQUE. Luis está especializado en la fotografía panorámica paisajística, estilo que empezó a formarse a raíz de un viaje a Lisboa en 1992.

Desde entonces, su cámara ha retratado las llanuras de Castilla, las orillas del Mediterráneo, Menorca, el norte asturiano, la costa portuguesa o la Reserva Natural de las Dunas de Maspalomas, en Gran Canaria.

Sus más recientes exposiciones han sido en 2014 Siluetas del Paisaje en FineArt Igualada (Barcelona) y Madrid Panorámico en Casa de Vacas (Madrid), en 2013 Siluetas del Paisaje en Galería Marita Segovia (Madrid) y en 2012 en el Centro de Arte Alcobendas (Madrid).

Tiene obra en muchas y diferentes colecciones como: Géneros y tendencias en los Albores del siglo XX, Fundación Zoilo Ruiz Mateos, Colección Hotel Bauza, Diputación de Cádiz, Colección de Arte Contemporáneo del Ayuntamiento de Madrid, Colección de la Comunidad de Madrid, Fundación Foto Colectania, Colección Juan Redón, Colección Purificación García, etc.

 

 

[/ezcol_1third] [ezcol_2third_end]deCorner

Guardamar, 2006
110×60 cm
Giclée

precio: 1500 + iva

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web: www.luisvioque.com

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Beatrice Pontacq

Beatrice Pontacq vive y trabaja en Burdeos. Se introduce en el mundo del arte tras pasar varios años  en el estudio de París del pintor Georges Csato, Beatrice Pontacq y en el taller Clouet.

Después  trabajar en pinturas de gran formato, Beatrice experimenta con una serie de pequeños formatos en papel en los que conjuga técnicas de grabado, monotipo, punta seca y aguafuerte. Sobre ellos narra paisajes mentales inspirados en la naturaleza, usando el oro en ocasiones llevada su fascinación hacia la iconografía tradicional. Transparencias, arañazos, gráficos y escritos indescifrables aparecen en sus obras dando la apariencia modernos palimpsestos.

 

Imogen Cunningham

Imogen Cunnigham

Imogen Cunningham fotógrafa intimista y puramente femenina, inicia la modernidad en este arte.
Pionera de la fotografía estadounidense, era química de formación, aspecto que marca uno de los aspectos más interesantes de su vida. Cunningham exploraba e innovaba en los avances tecnológicos del siglo XX aplicándolos a sus obras desde la platinotipia -sobre la que versó su tesis doctoral- hasta la multiexposición que puso en práctica durante su etapa como retratista de famosos.
Su obra recorre desde unas primeras fotografías en las que prestaba una atención casi obsesiva a la plasticidad de las flores, hasta su etapa final como retratista de estrellas para la prestigiosa revista Vanity Fair. Sus desnudos nos acercan a la belleza del cuerpo humano, una de sus primeras imágenes fue su autorretrato donde aparecía desnuda sobre la hierba. Años más tarde retrató a su marido de la misma forma, pero por el puritanismo de la época y la controversia suscitada, tuvo que guardar los negativos durante 55 años, contaba ya con más de 80 años. También tardíamente, en 1956, cuando tenía 73 años de edad, el MOMA le dedicó una exposición que le devolvió visibilidad, reconociendo así su su trayectoria y valorando sus más de cincuenta años de trabajo.
Firmaba sus fotografías con un sello chino formado por las siglas I-MO-GEN que quiere decir “ideas sin fin”. Como el legado que nos ha dejado.
Firma Imogen

Hand and Leaf of Voodoo Lily

Hand and Leaf of Voodoo Lily, 1972
40,6×50,8 cm
copia en gelatina de plata

precio: 1800 + iva

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