María Primo

 

 

Exposition – March 29 – May 15 / 2019

Maria Primo

María Primo is an accomplished photographer, editor, and instructor with a focused practice in ecology and environmental change.

Primo studied communications and photography in Madrid (Spain) and completed an MA in Arts (Anthropology, Environment, and Cultural Studies) at the Institute of Latin American Studies in the University of London.

She lived in Ecuador from 1999-2001, working for UNESCO, coordinating the environmental program and simultaneously developing her first artistic project about waste materials and consumption.

Since 2002, she has become a freelance photographer based in Madrid and develops her own personal work interrogating the relationship between humans and the environment. Primo has exhibited and published her work internationally, has one photo book presently released, another in development and hosts specialized photography workshops and conferences.

Invisible Woman 

With this series I intend to talk about exotic women, whom we often see from the western world as invisible women, but not so much because they look like it because of their clothes (burka, niqab, etc.), but because we put a veil on the time to se»other».

I eliminate their faces, bodies and their surroundings trying to highlight their identity and their presence, through their absence. The clothing that remains symbolizes cultural identity and the fundamental role of women as transmitters of this diversity.

Looking at it as a whole, the idea is to appreciate the richness of this cultural diversity, the importance it has for our own culture and to understand our planet.

María Primo

 

MA en Cultura e Identidad, Medio Ambiente y Antropología en ILAS (Institute of Latin American Studies de la Universidad de Londres), a lo largo de su trayectoria ha realizado además diferentes cursos y talleres de procesos creativos y de fotografía, que le han permitido dominar las técnicas analógicas de laboratorio y las digitales.

En 2016 completó el Máster de Fotolibro de Blank Paper (Madrid). Vivió en Ecuador (1998-2000) trabajando para la UNESCO como coordinadora de programas de medio ambiente, al tiempo que desarrolló su primer trabajo de fotografía de autor con un proyecto sobre el consumo y la basura.

Desde 2002 trabaja como fotógrafa freelance combinando su trabajo personal con el de encargo.

Su obra personal trata sobre la relación del ser humano con la naturaleza, en concreto sobre las huellas que este deja en el paisaje, y sobre las distintas maneras de entender dicha relación.

Su obra de encargo se centra en la realización de reportajes sobre interiorismo, retratos y viajes que publica asiduamente en revistas internacionales.

Ha realizado fotografías para varios libros institucionales y actualmente está desarrollando varios proyectos de libros como productora y coeditora.

Ha impartido talleres de fotografía y dado conferencias en la Universidad San Francisco de Quito (Ecuador) y en la New York University de París (Francia), y ha ejercido de Jurado en certámenes de arte y fotografía.

Mujeres Invisibles 

Con esta serie pretendo hablar de las mujeres exóticas, a las que muchas veces vemos desde el mundo occidental como mujeres invisibles, pero no tanto porque lo parecen por sus vestimentas (burka, niqab, etc.), sino porque nos ponemos un velo a la hora de ver al “otro”.

Elimino sus caras, cuerpos y su entorno intentando resaltar su identidad y su presencia, a través de su ausencia.

La vestimenta que queda simboliza la identidad cultural y el papel fundamental de la mujer como transmisora de esta diversidad. Viéndolo en su conjunto la idea es que se aprecie la riqueza de esta diversidad cultural, la importancia que tiene para nuestra propia cultura y para entender nuestro planeta.

 

German Antón

 

 

La Piel Quebrada – German Antón

 

Documents the artistic career of choreographer and dancer Asun Noales for 20 years.

On one occasion, his look is reflected in RITO, a dance installation.

Circle of jaguar heads created by the artist Susana Guerrero where, confined and protected, the performers Asun Noales and Sebastián Rowinsky «hatch» and open in chrysalis.

Germán Antón presents his pictorial photography, his poetic and elegant look on this symbiosis between choreography, sculpture, dance and photography.

It is a reflection on the origin, on the body and its beauty, the light and the blindness, the otherness that qualifies and binds us.

Important photos, loaded with strength and symbolism that captivate and disturb.

 

La Piel Quebrada – German Antón

 

Documenta la trayectoria artística de la coreógrafa y bailarina Asun Noales desde hace 20 años.

En esta ocasión su mirada la refleja en RITO, una instalación bailada.

Círculo de cabezas de jaguar creado por la artista Susana Guerrero en dónde, confinados y protegidos, eclosionan y se abren como crisálidas los intérpretes Asun Noales y Sebastián Rowinsky.

Germán Antón nos muestra su pictórica fotografía, su mirada poética y elegante de esta simbiosis entre coreografía, escultura, danza y fotografía.

Es una reflexión sobre el origen, sobre el cuerpo y su belleza, la luz y la ceguera que nos abisma y nos vincula.

Fotos poderosas, cargadas de fuerza y simbolismo que cautivan y perturban.

 

 

Laura Torrado

 

Doctora en Bellas Artes por la UCM, entró en contacto con la fotografía de la mano de Cristina García Rodero. En 1992 fue becada por la Fundación Peggy Guggenheim de Venecia. En 1993 obtuvo la Beca Fulbright para residir en Nueva York, colaborando con del Departamento de Conservación del Guggenheim Museum y del Museum of Modern Art de Nueva York. Durante su estancia en Nueva York comenzó a documentar fotográficamente las instalaciones y acciones realizadas, estableciendo un diálogo con el entorno a través de las poéticas del cuerpo, Transhumance 1993. A su regreso en Madrid en 1995 realiza series como Hammamel Dormitorio, Si te quise, fruto de su búsqueda en las fuentes de la tradición pictórica occidental. A partir de 2002 comienza a utilizar el video y realiza en 2003 el proyecto premiado y subvencionado por la Comunidad de Madrid, Down World y en 2004 el documental Otros hogares otras realidades premiado en la primera edición de Artes Plásticas de la CAM. En su última serie Vida suspendida 2010-2015, que se inscribe dentro de las Vanitas barrocas, genera una tensión entre Eros y Tánatos a través de la búsqueda de la belleza. En la actualidad imparte docencia en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca de la UCLM.

A lo largo de su trayectoria se puede apreciar una fuerte influencia del teatro, a través de la representación del espacio con un carácter escenográfico y de la puesta en escena de los personajes que lo habitan. Su obra, introspectiva y centrada en la representación de lo femenino, a modo de escenario en el que siempre suceden cosas, cuestiona los estereotipos establecidos. En esta línea se inscriben Hogares y silencios 2000, Las mil y una noches 2002, Masculino y poder 2003, Pequeñas historias bucólicas 2005 o Hammam 1995 y Hammam 2013.

Presente en  Paris Photo 1997, desde entonces ha realizado numerosas exposiciones, entre las que figuran The Endless Story (Galería Bernhard Knaus, Frankfurt, Alemania, 2002), The Insides (Galería Bacelos, Vigo, 2004), Identidades críticas (Museo Patio Herreriano de Valladolid, 2006), Le jardin féerique (Fotoencuentros, Murcia, 2009), Todesfuge (Loop Barcelona, 2010), Ficciones y Realidades (Museo Arte Moderno de Moscú MMOCA 2011), la exposición monográfica La oscuridad natural de las cosas, comisariada por Mariano Navarro (Sala Canal Comunidad de Madrid, 2013), o la participación en el proyecto A Window in Berlin en el marco de la exposición A selection of Iberoamerican Video Art of Bodies & Souls, 2015, Laura Torrado in dialogue with gallery artists (Eastman Gallery, Hasselt, Bélgica, 2016), Entre los premios que ha recibido figuran entre otros Premio Altadis de Artes Plásticas (2000), Generación Caja Madrid (2002), Purificación García (2003) y Artes Plásticas del Museo de Pollensa (Mallorca, 2008) y su obra forma parte de numerosa colecciones públicas y privadas.

 PUBLICACIONES MONOGRÁFICAS: Vanitas, canto líquido, Madrid, Casa de Velázquez, 2000; Laura Torrado, Arles, Actes Sud/ Altadis 2001; Laura Torrado. PhotoBolsillo, Madrid, La Fábrica, 2005; The Insides, La Coruña, Artedardo, 2009; La oscuridad natural de las cosas, Madrid, Publicaciones de la Comunidad Autónoma de Madrid, 2013.

 

YOU 2013

 

 

 

 

 

 

 

 

 

You 2013, 2/3 – 2500 €
81 x 92 cms
Tintas pigmentadas sobre papel Photo Matt Fibre Hahnemühle

Pepe Calvo

 

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Pepe Calvo es un autor poderoso, creador de brillantes imágenes cargadas de intensidad narrativa, laberínticamente geométricas, teatrales y nocturnas; amigo de lo ambiguo, de lo incierto y resbaladizo de los misterios que anidan en el subconsciente. Imágenes de naturaleza barroca, aisladas de la realidad a través de una iconografía perteneciente al lenguaje de los sueños. Si el artista es una criatura impulsada por demonios, como dijo William Faulkner, Pepe Calvo es prueba de ello.

Su trabajo se divide en dos partes Fotografía química (1972-1989) y Fotocollages (1989-2016). Artista de gran proyección, ha realizado mas de cuarenta exposiciones individuales y colectivas en Galerias, Museos y Centros de Arte de España, Italia, Bélgica, EE.UU. etc. de las que destacamos la del Museo de la Fotografía de Charleroi en 1996, Derision et raison, en la que compartió paredes con Duane Michaels, Andy Warhol, Cindy Sherman… Fue seleccionado por Fernando Castro para participar en la Exposición, Arte y Gastronomía, (IVAM, Valencia, 2013). Consorcio de Museos, Valencia (2014-2015); Madrid, Centro Cultural Juana Mordó, Modos de ver en la Fotografía Española (1978), ARCO, Galería 11(1988), Galeria Redor (1980), Alicia Rey Gallery (2015), Galería Aural (2002/2005), Roma, Centro Storico Montecelio, Modena per la fotografía, Museo de la Universidad de Alicante, Tenerife, Fotonoviembre (2005). Barcelona, Valladolid, Burgos…

Premio KulturCam en 2006, tiene obra en las colecciones del IVAM (Valencia) Photomuseum (Zarautz), Musèe de la Photographie à Charleroi (Bélgica), Colección Arte y Ciencia (Colegio de Estomatólogos, Madrid), MUBAG, Alicante, etc.; es autor de cuatro libros monográficos, Mujeres de Octubre (Ed. Pirámide, 1979), Colección (Ed. ONCE, 1988), Pepe Calvo (Ed. Aural, 2004) y un libro de autor que fue premiado en los Fotoencuentros de Murcia (2003). La flor oráculo (Ed. Aguaclara, 2013) es su primera novela publicada.

La obra que mostrará el De Corner de Santamaca corresponde a su último proyecto Holly interiors (2015) y fue realizada expresamente para este espacio.

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PEPE48

 

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Pilar Pequeño

Madrid, 1944.

En 1961 conoce a José Puga, que más tarde será su marido, y que es quien la introduce en la fotografía, tanto en los aspectos técnicos como en el lenguaje propio de ese medio de creación.

En 1965 entra a formar parte de la Real Sociedad Fotográfica; allí conoce a grandes fotógrafos, como Gabriel Cualladó, Paco Gómez… y a otros que como ella en aquel momento estaban empezando, como Juan Manuel Castro Prieto, Antonio Tabernero…

Desde 1975 a 1977 reside junto a su familia en Estados Unidos, donde recibe clases de dibujo.

A partir de 1979, a fin de profundizar en el dibujo, asiste durante dos años al estudio del pintor Justo Barboza.

Durante un tiempo compagina el dibujo y la fotografía, trabajando indistintamente en uno y otro medio, y en 1982 inicia su primera serie sobre Paisaje, donde el agua, que estará presente en toda su obra posterior, aparece en forma de ríos, arroyos, niebla…

Un periodo muy importante para su formación es cuando ese mismo año José Puga, junto con Rafael Roa y Rafael Ramírez, abren en Madrid la Galería Image donde conocerá a los que exponen en la galería: Humberto Rivas, Toni Catany, Manolo Laguillo, Eva Rubinstein… y a Luis Revenga, en aquel momento crítico de fotografía del diario El País y comisario de muchas de sus exposiciones.

Entre 1982 y 1990 realiza su primer trabajo de plantas, Invernadero. Son tomas muy cercanas en las que juega con esa proximidad, con la fragmentación de la escena y con la visión distorsionada de las plantas a través del plástico para producir la ambigüedad y la capacidad de sugerir, que hace que las imágenes rocen la abstracción.

De 1985 es su serie más corta, Hojas. Nuevamente juega con la abstracción que parte de la realidad, utilizando el agua como elemento transformador.

Desde 1988 hasta 1991 viaja por Europa y Estados Unidos y realiza su primer trabajo de paisaje urbano: una serie sobre el Área Metropolitana de Washington.

En 1992 sigue fotografiando las plantas, generalmente en jardines botánicos. Las imágenes son fragmentos de una planta, de una hoja o de una flor y del efecto que sobre ellas produce la luz.

En 1993 comienza a fotografiar las plantas en su estudio, creando naturalezas muertas. Este trabajo es el más amplio y representativo de su obra, en el que continúa experimentando actualmente. Se desarrolla en torno a las transparencias.

De 2000 a 2005 desarrolla la primera parte de su serie Huellas, son fotografías de lugares abandonados; un trabajo sobre la acción del hombre en el paisaje, el paso del tiempo, la memoria y la recuperación por la naturaleza de los lugares que el hombre ha abandonado. El núcleo de este trabajo es el estudio de dos edificios con una arquitectura y un clima muy diferentes, uno situado en el Mar Menor y otro en el Baixo Miño. donde se puede apreciar cómo condiciona el carácter de las ruinas el lugar geográfico donde se encuentran ubicadas.

Con motivo de la celebración en 2005 de la exposición Don Quijote, una nueva mirada, comienza la serie Bodegones, recreando en blanco y negro la atmósfera de los bodegones del Siglo de Oro.

Entre 2006 y 2007 realiza la serie La Samanna, impresiones en la isla de San Martín, en las Antillas francesas.

En 2008 comienza a trabajar con la cámara digital y realiza las primeras investigaciones con el color concebido como lenguaje en sí mismo.

Ese mismo año inicia un nuevo proyecto, utilizando por primera vez el color, Paisajes cercanos, con fotografías del entorno natural en el que vive y de los lugares por donde pasea. Como en sus primeros paisajes, sigue buscando los cambios que producen la luz y el discurrir de las estaciones en el agua de los ríos y arroyos y en sus orillas..

A partir del 2009, incorpora también el color a sus naturalezas muertas.

En 2010 es galardonada por el Ministerio de Cultura con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes por el conjunto de su obra.

En el año 2012 retoma su serie Huellas y vuelve a fotografiar, después de más de diez años, el edificio situado en el Baixo Miño.

En 2016 finaliza su trabajo Huellas volviendo al edificio del Mar Menor.

En 2017 es galardonada con el Premio Nacional Cultura Viva en su XXVI edición.

En 2018 la Fundación de Amigos del Museo del Prado, con motivo del bicentenario de la fundación del Museo, la invita a participar en el proyecto: Doce fotógrafos en el Museo del Prado. Doce miradas diferentes y personales que se inspiran en los grandes maestros del Museo. El resultado  se expone en el edificio Villanueva del Museo del Prado en 2018-2019.

En 2019, dentro de PhotoEspaña, presenta una exposición Naturalezas muertas, en la que  hace un recorrido por este trabajo, desde su inicio en 1993 hasta las obras realizadas en 2018 en la preparación del proyecto del Prado.

Premio a la Trayectoria Profesional Photoespaña 2019

web: www.pilarpequeno.com

 

 

 

 

 

 

 

SERIE PLANTAS SUMERGIDAS

 

 

 

TRASPARENCIAS

SERIE HUELLAS

MAR MENOR

BAIXO MIÑO

Maquieira

Fernando Maquieira

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Nacido en Puertollano (Ciudad Real) en 1966, con solo quince años entra a trabajar como ayudante en el estudio del fotógrafo Fernando Gordillo, destacado representante de la escuela de Madrid, movimiento responsable de la renovación fotográfica española en la segunda mitad del siglo XX. Junto a Gordillo, Maquieira se familiariza con los rudimentos de las técnicas fotográficas. En paralelo, se forma en el campo del diseño gráfico y se dedica a la composición e interpretación musical en una banda de rock. Cuando el grupo se disuelve, sigue empleando su talento compositivo, esta vez en soledad, para la concepción de sus primeras series fotográficas.

A partir de 1998 entra a trabajar en la empresa de artes gráficas Cromotex, pionera en el uso de herramientas digitales en el campo editorial en España, donde permanecerá hasta 2012 como responsable de su plató digital. En 2001 viaja a México, y allí realiza las fotografías que darán lugar a su primera monografía, Veinte días México. La serie será presentada en 2003 y 2004 en la Casa de Cultura de Las Rozas, Madrid, la Maison de l’Amérique Latine en Bruselas y el Photomuseum de Zarauz (Guipúzcoa). En 2003 expone asimismo en el Escaparate de San Pedro (Madrid) y obtiene el primer premio del maratón fotográfico de PhotoEspaña; el premio le permite viajar a Brasil durante varios meses. Allí comienza el trabajo que, años después, y apoyado por una beca FotoPres de la Fundación La Caixa (2007), se convertirá en la serie Ruta 40, dedicada al trayecto andino de la utópica autopista panamericana.

En paralelo a sus proyectos personales, Maquieira es requerido como fotógrafo para documentar la actividad de museos y colecciones de arte, una labor que le ha aproximado de manera íntima a las obras de arte y espacios de exposición en ausencia del público. Uniendo este trabajo por encargo con sus personales intereses artísticos, en 2004 obtiene una beca de la Diputación de Granada para exponer en el Palacio de los Condes de Gabia de la capital andaluza su serie Sobre la Alhambra, de la que surgirá una nueva monografía. La serie se expone asimismo en la Bienal Internacional de Fotografía de Tenerife en 2005. Ese mismo año comienza a trabajar en un ámbito similar: los museos de historia natural, en los que toma las imágenes de animales disecados que parecen volver a la vida; el resultado será Ánima, serie que se expondrá en 2006 en la Casa de Velázquez de Madrid y, en 2008, en la Degroof Foundation – Parc du Château de Bousval (Bélgica), el Festival Internacional de fotografía Getxophoto, Getxo (Vizcaya) y la Resolution Gallery de Johannesburgo (Sudáfrica).

A raíz de su trabajo para documentar piezas del Museo del Prado depositadas en diversos conventos de clausura, Maquieira tiene acceso a estos espacios, lo que le lleva a concebir una nueva serie relacionada con las diversas formas de la fe. Un viaje a Irán en 2007 y una beca en la Academia de España en Roma en 2008 le permiten, atendiendo a diferentes credos, completar Wearing Faith, proyecto que se presenta en el Festival Internacional de Fotografía de Roma al año siguiente.

En los últimos años, Maquieira trabaja en el proyecto Night Guide Museums, donde une su interés por los aspectos más enigmáticos de la fe y la espiritualidad a su trabajo relacionado con museos, considerados nuevos espacios de culto. El estado actual de este trabajo se hizo público en 2014 en la I. Kaunas Photo M. Zilinskas Gallery de Kaunas (Lituania), donde había obtenido una beca de residencia el año anterior. En paralelo a Night Guide Museums, Maquieria mantiene una suerte de diario fotográfico en construcción que fue presentado, bajo el título Como si nada, en el contexto de PhotoEspaña 2014.

Tiene obra en diversas colecciones como en la colección de fotografía de la Fundación Mapfre, Museo Rodin de París, Colección Ayuntamiento de Alcobendas, Museo de la Alhambra y Generalife en Granada, Real Academia de España en Roma, Museo Nacional de Antropología de Madrid, Centro de Arte Caja de Burgos (CAB), Photomuseum de Zarautz, La maison de L’Amérique Latine en Bruselas, Real Sociedad fotográfica e Madrid, Colección Fotoencuentros de Murcia y en diversas colecciones particulares.

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Moma. San Francisco EEUU, 2008
90×60 cm

Impresión Ink-Jet pigmentos naturales encapsulados en resina sobre papel Hahnemuhle Photo Rag Ultra Smooth de 305 gsm 100% algodón.

Edición de 11 ejemplares  y 2 P.A. numerados y firmados

Disponibles desde la num. 3/11

Precio:

De la 1 a la 4….….. 1. 400,00 €

De la 5 a la 7….…. 1.900,00 €

De la 8 a la 10…… 2.500,00 €

De la 9 a la 10…… 3.000,00 €

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web: www.fernandomaquieira.com

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Luis Vioque

Luis Vioque

[ezcol_1third]Nuestro artista invitado es LUIS VIOQUE. Luis está especializado en la fotografía panorámica paisajística, estilo que empezó a formarse a raíz de un viaje a Lisboa en 1992.

Desde entonces, su cámara ha retratado las llanuras de Castilla, las orillas del Mediterráneo, Menorca, el norte asturiano, la costa portuguesa o la Reserva Natural de las Dunas de Maspalomas, en Gran Canaria.

Sus más recientes exposiciones han sido en 2014 Siluetas del Paisaje en FineArt Igualada (Barcelona) y Madrid Panorámico en Casa de Vacas (Madrid), en 2013 Siluetas del Paisaje en Galería Marita Segovia (Madrid) y en 2012 en el Centro de Arte Alcobendas (Madrid).

Tiene obra en muchas y diferentes colecciones como: Géneros y tendencias en los Albores del siglo XX, Fundación Zoilo Ruiz Mateos, Colección Hotel Bauza, Diputación de Cádiz, Colección de Arte Contemporáneo del Ayuntamiento de Madrid, Colección de la Comunidad de Madrid, Fundación Foto Colectania, Colección Juan Redón, Colección Purificación García, etc.

 

 

[/ezcol_1third] [ezcol_2third_end]deCorner

Guardamar, 2006
110×60 cm
Giclée

precio: 1500 + iva

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web: www.luisvioque.com

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Imogen Cunningham

Imogen Cunnigham

Imogen Cunningham fotógrafa intimista y puramente femenina, inicia la modernidad en este arte.
Pionera de la fotografía estadounidense, era química de formación, aspecto que marca uno de los aspectos más interesantes de su vida. Cunningham exploraba e innovaba en los avances tecnológicos del siglo XX aplicándolos a sus obras desde la platinotipia -sobre la que versó su tesis doctoral- hasta la multiexposición que puso en práctica durante su etapa como retratista de famosos.
Su obra recorre desde unas primeras fotografías en las que prestaba una atención casi obsesiva a la plasticidad de las flores, hasta su etapa final como retratista de estrellas para la prestigiosa revista Vanity Fair. Sus desnudos nos acercan a la belleza del cuerpo humano, una de sus primeras imágenes fue su autorretrato donde aparecía desnuda sobre la hierba. Años más tarde retrató a su marido de la misma forma, pero por el puritanismo de la época y la controversia suscitada, tuvo que guardar los negativos durante 55 años, contaba ya con más de 80 años. También tardíamente, en 1956, cuando tenía 73 años de edad, el MOMA le dedicó una exposición que le devolvió visibilidad, reconociendo así su su trayectoria y valorando sus más de cincuenta años de trabajo.
Firmaba sus fotografías con un sello chino formado por las siglas I-MO-GEN que quiere decir “ideas sin fin”. Como el legado que nos ha dejado.
Firma Imogen

Hand and Leaf of Voodoo Lily

Hand and Leaf of Voodoo Lily, 1972
40,6×50,8 cm
copia en gelatina de plata

precio: 1800 + iva

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Colabora:

La fabrica

Carme Casulá

Carma Casulá

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Carma Casulá, artista visual y fotógrafa, doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, y con estudios Superiores de Fotografía en el IED de Milano, ampliados en el ICP en New York.

Compagina sus proyectos artísticos sobre la antropización del territorio, el paisaje, y la memoria de éste sobre el individuo, con proyectos de documentalismo.

Participa en diversos proyectos culturales y exposiciones destacando MNCARS, Madrid; Fundaciò La Caixa, Barcelona; Instituto Cervantes, Moscú y París; Fundación Canal, Madrid; artista invitada PHotoEspaña05; La Regenta, Las Palmas; FotoNoviembre, Tenerife; IVAM, Valencia; Fotoencuentros, Murcia & Cartagena; Kursala, Cádiz; La Zona Entrenarte, San José; de la Photographie, Ginebra; Sukkertoppen y Round Tower, Copenhague; Corcoran Gallery, Washington; Accademia Carrara, Bergamo. Obras es colecciones públicas y privadas.

Compagina su actividad artística y profesional freelance con docencia universitaria sobre Fotografía, talleres y ponencias sobre Fotografía y Paisaje. Forma parte del equipo interdisciplinar I+D sobre Arte y Ecología. Estrategias de Protección del Medio Natural y Recuperación de Territorios Degradados que alía a varias universidades españolas nacido bajo el Ministerio de Ciencia e Innovación. Colabora con arquitectos y urbanistas en la lectura y tratamiento del territorio.

[/ezcol_1third] [ezcol_2third_end]Salinas

Salinas, 2015
8×6 cm
Fotografía a color adherida a metacrilato montada en caja petaca de acuarelas

precio: 720 + iva

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web: www.carmacasula.com